http://www.4shared.com/dir/1438733/148425e2/watchmen.html (ler watchmen)
O acordo de Orson com a RKO lhe dava o direito de produzir dois filmes, com orçamento generoso e total liberdade criativa, ou seja: roteiro, elenco, equipe e edição final seriam completamente controlados pelo cineasta, sem interferências. No entanto, a idéia inicial tinha de ser aprovada pelo estúdio, antes de se dar inicio às gravações. Em 1940, dois projetos de Welles haviam sido recusados, e o cineasta via o tempo de seu contrato se esvair enquanto ainda não havia produzido seu primeiro filme. Foi quando concebeu, em cooperação com o roteirista Herman Mankiewicz, o enredo que usaria como sua “ás na manga”. Era a história de um magnata da imprensa, um ícone do sonho americano, que após uma vida inteira de busca incessante pelo poder, morre sozinho e triste.
O argumento de Cidadão Kane (que inicialmente receberia o título de American) foi em grande parte baseada na vida do milionário William Randolph Hearst, poderoso empresário do ramo das comunicações, que chegou a possuir 28 jornais (estima-se que um entre cada cinco americanos lia alguma de suas publicações regularmente) e foi considerado o pai da imprensa sensacionalista no continente americano. Ao ficar sabendo da produção do filme, Hearst ficou furioso com as referências explícitas à sua trajetória de vida. Ameaçou derrubar a RKO, dizendo que revelaria em seus jornais os escândalos envolvendo os figurões de Hollywood. A sua influência era tamanha, que os chefões da indústria cinematográfica ficaram amedrontados. Um grupo de donos de estúdio, liderados por Louis B. Mayer, do Metro, tentou até mesmo comprar as cópias prontas do filme com o propósito explícito de queimá-las, oferecendo ao diretor da RKO, George J. Schaefer, um valor que cobriria todo o custo de produção da obra. Hearst, é claro, também se utilizou de seu poderio de comunicação para atacar de todas as formas o filme, assim como a imagem pública de Welles.
Os esforços do magnata tiveram resultado. O filme foi exibido em pouquíssimas salas e, com público escasso, gerou prejuízo para a RKO. As nove indicações para o Oscar renderam somente uma estatueta, a de melhor roteiro original para Welles e Mankievicz. Tudo resultado de uma manobra de boicote perpetrada pela indústria cinematográfica, explicitada pelas vaias que acompanhavam o nome de Orson cada vez que este era citado nas indicações de melhor filme, diretor, ator e roteiro.
“O” Filme 
Toda a polêmica envolvendo a trajetória da produção e lançamento de Cidadão Kane, no entanto, não foram suficientes para ofuscar o brilho da obra, assim como sua fundamental importância para a história da sétima arte. Apesar de seu inicial fracasso comercial, a obra obteve reconhecimento internacional após o fim da guerra, sendo elevado, por cineastas e críticos americanos e europeus (como Peter Bogdanovich, André Bazin e Truffaut) à condição de um dos melhores filmes já produzidos. A eleição realizada a cada dez anos pelo British Film Institute, aponta-o, desde 1962, como o filme mais importante de todos os tempos. Mas por que Cidadão Kane é tão ovacionado?
Porque o filme de Welles rompeu barreiras técnicas e dramáticas, inaugurando o cinema moderno. A trama não é linear: a película se inicia com a morte de Charles Foster Kane, que sozinho em seu palácio particular pronuncia, em seu último suspiro, a palavra Rosebud. Esta se torna o ponto de referência da estória, quando um jornalista é incumbido de tentar descobrir o seu significado, buscando assim tentar entender a mentalidade do magnata. Nos contatos que o repórter tem com os conhecidos de Kane, o espectador é levado a acompanhar toda a vida do milionário, sempre pelo ponto de vista de terceiros, com visões conflitantes a respeito do protagonista. Os ocasionais saltos cronológicos não geram confusão no entendimento da narrativa, funcionando como a mente humana, criando conexões entre fatos e idéias.
Os ângulos utilizados e as técnicas de filmagem constituem-se em um importante recurso narrativo, revelando diferentes abordagens das situações e personagens, gerando uma rica representação simbólica. Por exemplo, Kane, nos seus momentos de poder e glória, é filmado de baixo para cima, o que acentua sua imponência e grandiosidade. Quando o objetivo é mostrar sua mesquinhez e amargor, a câmera se posiciona acima, como na cena em que o protagonista entra no salão onde sua esposa está montando um quebra-cabeça. Kane, nesse momento, apresenta-se como uma figura decrépita e triste em meio à imensidão do monumento que construiu para sua própria vaidade. O diretor também utiliza revolucionários recursos de foco (ora privilegiando o segundo plano da açãom utiliza recursos de focos, ora privilegiando o segundo plano da aç no sal situaçra citado nas indicaçaç ainda ntiva: roteiro,, ora o primeiro), profundidade e close. Em certos momentos há grandes tomadas sem corte, em outros a edição das imagens se dá em ritmo alucinante.
O potencial dramático do filme revela-se na grande atuação de Orson Welles, como o personagem-título da película, e principalmente na densa construção psicológica da figura de Kane. A sua trajetória, narrada pelas diferentes pessoas que com ele conviveram, nos revelam pistas e nuances sobre aquele moribundo que, no início do filme, sozinho em seu leito, compartilha unicamente com o espectador seu último e triste suspiro. Não há nenhuma testemunha no quarto que acompanhe sua derradeira palavra, e isso foi feito propositalmente pelo diretor, funcionando como um artifício para jogar o espectador dentro do filme.
Protótipo do “sonho americano”, Charles Foster Kane é um garoto pobre – aliás, um ponto de sua biografia que nos remete diretamente a Welles, e não a Hearst, sua fonte de inspiração – que herda uma fortuna e precisa abandonar sua família para ser criado por um banqueiro, que há de lhe ensinar a administrar os seus bens. Ao adquirir e revolucionar um pequeno e inexpressivo jornal, Kane vai construindo seu império da comunicação. Passa de jovem ousado e idealista a homem ambicioso, relacionando-se diretamente com as altas esferas do poder (parafraseando uma das falas do filme: “Em toda sua trajetória, não houve um presidente que Kane não apoiasse ou denunciasse. Geralmente primeiro apoiava, depois denunciava”).
A trajetória de Charles F. Kane é marcada por peculiares experiências. Seus conturbados relacionamentos, que sempre terminam de forma amarga e trágica. Suas excentricidades, como construir um palácio para si próprio, repleto de animais de todo o globo, monumentos e um número sem-fim de obras de arte, com o único objetivo de satisfazer seu ego. Sua desmedida ambição por poder e reconhecimento. Todos esses elementos culminam em momentos de profunda angústia, quando o personagem, subitamente, percebe que perdera a infância, e junto dela a possibilidade de ser amado por aquilo que é, e não pelo que possui. Por isso tenta construir, manipular ou adquirir algo que possa suprir essa necessidade voraz que lhe assola. Mas, no fundo, sabe que é tudo em vão. Ou como diria a seu (ex)amigo Leland: “Se não fosse tão rico, eu poderia ter sido um grande homem”.
Artigo de um grande amigo, diego. Um abraço p ele!!!
durante a filmagem da cena de humilhação após o tratamento e ele quase se afogou de verdade, devido a uma falha no equipamento que o ajudaria a respirar, na cena em que os seus ex "drugues" o encontram e submetem ele a uma tortura em uma banheira.
No livro, o sobrenome de Alex em momento algum é revelado. Comenta-se que DeLarge seja uma referência a um momento no livro em que Alex chama a si mesmo de "Alexander the Large".
O episódio primeiro é "A curva de Lesmo", os quadros são os de números 59,60 e 61 (nesta nova edição saída pela Conrad Editora se encontram à pág 17).
Após este momento inicial de intimidade, que somente a arte narrativa do gênio Crepax poderia proporcionar, se desenrola a ascensão de toda uma nova visão no mundo dos quadrinhos.
Vários amigos meus já me criticaram por tratar estes citados quadros como divisores de águas, mas o que eu afirmo é que não me refiro somente à eles , mas na verdade à toda a obra de Valentina.
Guido Crepax, conseguiu com sua Valentina chegar à um nível de maturidade artística e decantação visual que não consegui vislumbrar anteriormente em nenhuma das obras que a precederam.
Os quadros, no mundo dos quadrinhos sempre serviram de delimitadores das imagens, de sua seqüência e da narrativa.
Na obra de Guido, a última coisa que os quadros representam são amarras; ao contrário, podemos vislumbra-los como se fossem o esqueleto, a estrutura para a mágica que nos levará a viagens transcendentais.
Sua fluida liberdade, amadurecida nas páginas de Valentina, a princípio de modo discreto, para logo se esbaldar como uma criança que descobre um proibido prazer, ultrapassa todo e qualquer paradigma anterior.
Ele não foi o primeiro, e muito menos o único a explorar o ritmo narrativo na disposição dos quadros e imagens, mas com toda certeza foi o que traduziu com maior propriedade estes conceitos.
No terceiro episódio, de nome "Sogno", o clima de devaneio alcançado por Crepax beira a loucura em um limite lateral com a genialidade. O aspecto de sonho unido à linguagem cinematográfica, onde a disposição de pequenos "takes" laterais dão a impressão de um celulóide (observar os cantos arredondados", complementam de forma surpreendente a atmosfera fetichista. As imagens, de forte teor, o couro, os oficiais nazistas, os equipamentos, botas e apetrechos, para uma rápida mudança rítmica onde não se evidencia o sentido a se seguir nos quadros (quem deve decidir é o leitor), tudo isto forma um prisma de inimagináveis aspectos e camadas.
O preto absoluto do nanquim atua incólume reinando por sobre o imaculado branco das páginas, sem outra cor à afrontá-lo.
O traçado elegante da pena é decidido, firme, de personalidade, assim como Valentina.
Na última página deste terceiro capítulo (Sogno) chega a narrativa à um ápice rítmico imposto pelo Autor, com diminutos quadros em "Close up" contrastando com quadros maiores, juntamente ao texto dinâmico e frenético que leva à uma explosão final de significância. (o leitor relacionará facilmente esta analogia, apesar da linguagem truncada).
De volta ao segundo episódio chamado " Olá Valentina" a utilização geométrica dos quadros, auxilia a trama em estilo policial/triller, para envolver elementos de certa forma cômicos/sensuais onde em uma festa à fantasia os personagens se transvertem em criações dos quadrinhos, terminando em um elogio e uma reverência meta-linguística a diversos autores. Podemos ver lá o Mandrake, Dick Tracy, os Peanuts entre outros.
O último capítulo, "Os subterrâneos" trata de uma exploração ao surgimento de Neutron e seus poderes, em uma expedição ao centro da terra por cavernas inexploradas e seres de civilizações perdidas. Apesar do tema diferente, com elementos de ficção científica, podemos encontrar passagens de incomparável beleza, como as de Valentina desacordada ao sonhar com Philip.
Em Valentina, além de falarmos sobre os quadros, a narrativa, o fetichismo, a força da personagem, devemos nos atentar aos detalhes.
A obra em si é um culto aos pequenos achados, às nuances e ao ponto de vista.
O que faz desta obra única é o olhar do leitor que carrega de sentido e emoção cada passagem. Como a elegância das imagens de Crepax estimulam nossos sentidos, é como se Valentina emanasse um fogo fátuo, um perfume de mulher, um brilho no olhar que nos encanta e faz de seus joguetes e meros admiradores.
Crepax se foi, mas deixou em nosso coração uma marca à tinta e sonhos de nome Valentina.
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Ficha TécnicaTítulo Original: The GodfatherGênero: DramaTempo de Duração: 171 minutosAno de Lançamento (EUA): 1972Estúdio: Paramount PicturesDistribuição: Paramount PicturesDireção:Francis Ford Coppola Roteiro: Mario Puzo e Francis Ford Coppola, baseado em livro de Mario PuzoProdução: Albert S. RuddyMúsica: Nino RotaDireção de Fotografia: Gordon WillisDesenho de Produção: Dean TavoularisDireção de Arte: Warren ClymerFigurino: Anna Hill JohnstoneEdição: Marc Laub, Barbara Marks, William Reynolds, Murray Solomon e Peter Zinner
